100 DVD cho thuê hàng đầu năm 2022 năm 2022
|
The daily amenity fee is taxable and includes: Show
License number: TA-122-228-3264-01,TA-112-508-5184-01,TA-099-753-1648-01,TA-103-952-1792-01,TA-207-595-5200-01,TA-000-367-2064-01,TA-068-569-4976-01,TA-102-957-2608-01,TA-055-963-0336-02,TA-131-445-3504-01,TA-124-834-4064-01,TA-163-138-3552-01,TA-013-258-9568-01,TA-046-122-1888-01,TA-111-077-7856-01,TA-054-462-8736-01,TA-133-402-6240-01,TA-026-193-3056-01,TA-083-762-7904-01,TA-123-084-1856-01,TA-193-680-1792-01,TA-140-077-0560-01,TA-015-467-3152-01,TA-098-255-4624-01,TA-204-526-5920-01,TA-038-362-1120-01,TA-152-800-6656-01,TA-150-948-4544-01,TA-197-959-0656-01,TA-199-027-3024-01,TA-003-662-6432-01,TA-141-462-3232-01,TA-099-645-8496-01,TA-123-271-1680-01,TA-174-101-5040-01,TA-198-965-6576-01,TA-142-056-4480-01,TA-060-844-4416-01,TA-001-637-3760-01,TA-192-369-4592-01,TA-089-981-9520-01,TA-187-610-1120-02,TA-078-814-0032-01,TA-125-392-0768-01,TA-209-984-1024-01,TA-088-904-0896-01,TA-144-397-7216-01,TA-016-730-1120-01,TA-160-922-4192-01,TA-073-679-4624-01,TA-055-658-2912-01,TA-094-057-4720-01,TA-118-576-7424-01,TA-110-891-8272-01,TA-022-363-5456-01,TA-054-596-8128-01,TA-116-514-2016-01,TA-102-318-8992-01,TA-094-644-4288-01,TA-167-896-0640-01,TA-077-989-8880-01,TA-202-103-8080-01,TA-182-794-4448-01,TA-045-776-2816-01,TA-005-920-5632-01,TA-166-696-1408-01,TA-093-928-0384-01,W00227358-01,W08681254-01 Nội dung chính Show
Do dịch virus corona (COVID-19), các biện pháp an toàn và vệ sinh bổ sung hiện đang được thực hiện tại chỗ nghỉ này. Do dịch virus corona (COVID-19), chỗ nghỉ này đang thực hiện các bước để bảo vệ sự an toàn của khách và nhân viên. Vì vậy, một số dịch vụ và tiện nghi cụ thể có thể sẽ bị giảm hoặc không hoạt động. Các tiện nghi spa và gym tại chỗ nghỉ này hiện không hoạt động vì dịch virus corona (COVID-19). Không thể lưu trú tại chỗ nghỉ này cho mục đích cách ly vì virus corona (COVID-19). Khách cần phải xuất trình giấy tờ tùy thân có ảnh và thẻ tín dụng vào thời điểm nhận phòng. Vui lòng lưu ý tất cả các Yêu cầu Đặc biệt đều tùy thuộc vào tình trạng phòng trống và phụ phí có thể sẽ được tính thêm. Khoản đặt cọc đảm bảo 200 USD là bắt buộc khi khách đến nhận phòng để chi trả cho các sự cố không mong muốn. Khoản đặt cọc này có thể được hoàn lại toàn bộ khi khách trả phòng và sau khi đã kiểm tra các hư hại về chỗ ở.
Một trong những điều khiến Hawaii trở nên khác biệt so với các điểm đến du lịch khác đó là nó là sự kết hợp của nhiều nền văn hóa khác nhau, mỗi nền văn hóa đều mang đến nét độc đáo riêng cho mình. Ngay khi đến nơi, bạn nhớ dành một chút thời gian để hít thở bầu không khí trong lành, cảm nhận ánh nắng trên làn da và cảm nhận làn gió biển mặn mòi trên mái tóc. Cùng khám phá những điều hấp dẫn đang chờ đợi bạn ở Hawaiiqua bài viết sau nhé.  Lập kế hoạch cho chuyến du lịch đến HawaiiThời gian tốt nhất để tham quan: Thời gian tốt nhất để đến thăm Hawaii là từ tháng 4 đến tháng 5 khi thời tiết đẹp nhất và đám đông vẫn chưa tập trung đầy đủ. Tháng 9 và tháng 10 cũng là thời điểm tuyệt vời, nhờ giá du lịch giảm. Ngôn ngữ: Hawaii có hai ngôn ngữ chính thức: tiếng Anh và tiếng Hawaii (ʻŌlelo Hawaiʻi), mặc dù bạn cũng sẽ nghe thấy người dân địa phương nói tiếng Anh Pidgin Hawaii, ngôn ngữ thứ ba không chính thức của bang. Tiền tệ: Đô la Mỹ Cách di chuyển: Tất cả các đảo chính của Hawaii đều có hệ thống xe buýt công cộng, trong đó Oahu là nơi hiệu quả và thuận tiện nhất cho đến nay. Và trong khi các dịch vụ chia sẻ xe đã đến Oahu, Maui, Kauai và Đảo Lớn, bạn không phải lúc nào cũng dựa vào việc có được một chiếc xe ngay lập tức. Thuê xe hơi hiện đang là phương tiện di chuyển phổ biến nhất cho những du khách muốn rời khỏi khách sạn và khám phá các hòn đảo. Thời gian tốt nhất để đến thăm Hawaii là từ tháng 4 đến tháng 5Những điểm du lịch hấp dẫn nhất HawaiiĐài tưởng niệm USS Arizona tại Trân Châu CảngĐài tưởng niệm USS Arizona tại Trân Châu Cảng ở Honolulu là Điểm đến Số 1 của Du khách ở Quần đảo Hawaii. Hơn 2 triệu du khách Hoa Kỳ và quốc tế chọn đến thăm Đài tưởng niệm Arizona hàng năm để xem nơi Thế chiến II bắt đầu cho nước Mỹ. Có 5 di tích lịch sử góp phần vào Thế chiến II tại ở Trân Châu Cảng; Đài tưởng niệm USS Arizona, Đài tưởng niệm USS Utah, Đài tưởng niệm USS Oklahoma, và các khu vực bên trong Battleship Row và Ford Island. Đài tưởng niệm USS Arizona tại Trân Châu Cảng ở Honolulu là Điểm đến Số 1 ở Quần đảo HawaiiBờ Bắc của OahuBờ Bắc của Oahu đề cập đến khu vực địa lý giữa Điểm Ka'ena của Tây Oahu và Điểm Kahuku của Đông Oahu. North Shore nổi tiếng nhất với những con sóng lớn hơn sóng trong suốt mùa Đông, những đường bờ biển ngoạn mục và thu hút những người lướt sóng từ khắp nơi trên thế giới. Các điểm lướt sóng North Shore nổi tiếng bao gồm Vịnh Waimea, Bãi biển Sunset, và Đường ống Banzai. Bờ Bắc của Oahu nổi tiếng thu hút những người lướt sóng trên thế giới.Bãi biển WaikikiTrong thời cổ đại, khu vực ven biển Waikiki ở Nam Oahu từng bao phủ một khu vực rộng lớn hơn, bao gồm cả Manoa và Thung lũng Palolo. Về bản chất, cái tên Waikiki có nghĩa là “dòng nước chảy ra” và dùng để chỉ những con sông nước ngọt từng chảy về phía đại dương. Trong những năm 1450, Waikiki được chỉ định là trung tâm chính phủ đầu tiên trên toàn Hawaii. Bãi biển Waikiki là bãi biển nổi tiếng nhất tại quần đảo Hawaii
Công viên hoang dã bang bờ biển Na PaliBờ biển Na Pali trên Kauai chắc chắn là một trong những nơi đẹp nhất trên trái đất. Vùng ven biển này không chỉ là một trong những nơi tốt nhất để tham quan ở Hawaii mà còn là nơi siêu giàu có về lịch sử văn hóa Hawaii. Khu vực này là nơi sinh sống của Hawaii Ali'i (hoàng gia) và được biết đến với những thác nước chảy xa hoa và sông nước ngọt và sự phong phú của động thực vật Hawaii. Bờ biển Na Pali trên Kauai chắc chắn là một trong những nơi đẹp nhất trên trái đấtVăn hóa và Phong tục HawaiiMặc dù tiếng Anh là ngôn ngữ chính được sử dụng ở Hawaii, nhưng tiếng Hawaii vẫn hiện diện rất nhiều trên khắp các hòn đảo. Bạn chắc chắn sẽ nghe và nhìn thấy rất nhiều từ Hawaii trong suốt chuyến du lịch của mình. Ví dụ: các từ như "wahine" (phụ nữ) và "kane" (đàn ông) sẽ hữu ích khi tìm kiếm nhà vệ sinh, và "makai" (hướng về biển) và "mauka" (về phía núi) được sử dụng khi chỉ đường thường xuyên. Hãy dành thời gian tìm hiểu một vài điều trước chuyến đi của bạn. Xem xét mối liên hệ sâu sắc của Hawaii với lịch sử và sự tôn trọng đối với hoàng gia trong quá khứ, tiểu bang này có đầy đủ các địa điểm thiêng liêng và có ý nghĩa văn hóa. Từ "kapu" trong tiếng Hawaii chỉ một nơi không nên xâm phạm, chẳng hạn như khu mộ cổ, tàn tích của nơi ở của hoàng gia trước đây, khu vực nguy hiểm hoặc tài sản tư nhân. Hawaiian "heiaus", hay những ngôi đền Hawaii cổ, nằm rải rác khắp các hòn đảo. Nhiều heiaus mở cửa cho du khách, nhưng cũng được coi là linh thiêng và cần luôn được tôn trọng. Trong khi đi bộ đường dài, hãy đi trên đường mòn được chỉ định để giúp tránh xói mòn hoặc phá hủy các loài thực vật bản địa quan trọng. Đừng quấy rầy hoặc chạm vào động vật hoang dã được bảo vệ. Việc chạm vào một con Rùa Biển Hawaii đang bị đe dọa hoặc một con Rùa Biển Xanh Hawaii không chỉ khiến bạn khó chịu mà còn là bất hợp pháp. Hawaii vẫn giữ gìn nguyên vẹn bản sắc văn hóa độc đáo của riêng mìnhMẹo tiết kiệm tiền khi du lịch Hawaii
Đặt vé máy bay giá rẻ du lịch HawaiiSân bay quốc tế Daniel K. Inouye: Sân bay chính của Hawaii. Nó được coi là một trong số 30 sân bay bận rộn nhất ở Mỹ và thấy khoảng 21 triệu hành khách mỗi năm trung bình 3. Hầu hết các du khách đến thăm Hawaii đều đi qua Honolulu vào một thời điểm nào đó. Sân bay Kahului: Sân bay chính và phổ biến nhất của Maui. Nó nằm ở trung tâm phía bắc Maui, khoảng 40 phút từ Lahaina sầm uất và khoảng 20 phút từ Kihei. Sân bay Lihue: Sân bay chính của đảo Kauai. Nó đẹp và nhỏ, một phần lộ thiên và bao gồm hai đường băng, một nhà ga và 10 cổng. Sân bay Kona: Sân bay nhộn nhịp hơn một chút của Đảo Lớn nằm ở phía tây gần Kailua-Kona. Hầu hết du khách đến Đảo Lớn đều đi qua đây vì phần lớn các khu nghỉ dưỡng trên đảo nằm gần đó. Những người khác ở phía đông của hòn đảo có tùy chọn bay đến Sân bay Quốc tế Hilo. Hawaiian Airlines là hãng hàng không hàng đầu khai thác chuyến bay đến HawaiiNhững điều hấp dẫn đang chờ đợi bạn ở Hawaii với khung cảnh tuyệt đẹp cùng nền văn hóa độc đáo. Để có một lịch trình đi Hawaii lý tưởng bạn hãy tham khảo ngay vé đi Mỹ giá tốt của văn phòng Vemaybay123 trước khi quyết định book vé. Các nhân viên ở đại lý vé máy bay chính thức của hãng sẽ hỗ trợ bạn mua vé một cách dễ dàng và tiện lợi nhất có thể. Cách đặt vé máy bay tại VéMáyBay123.VN
Bài viết cùng chủ đề
The best movies on Redbox include many films of Paste’s Best Movies of 2020 and 2021. Redbox remains a bit slow to add new films to its selections, mostly because studios haven’t seen their releases actually hit theaters in about a year. Those that’ve made streaming deals are making the most of things, but as far as physical rentals go, things’ll start picking up the pace as 2022 begins. Our guide to the best movies to rent right now at Redbox includes Oscar winners, kids movies, comedies, indie film, musical biopics and horror. And all of the movies top Redbox movie rentals listed here are available on DVD for $1.80 ($2 if you want Blu-Ray) right now. If you’re more inclined to spend nothing and watch a few commercials, you can also read our picks for the best movies on Redbox’s free On Demand service. In addition to new releases on Redbox, you can also check out our guides to the best movies on Netflix, Amazon Prime, HBO, Hulu, Showtime, Cinemax, YouTube, on demand and in theaters. Or visit all our Paste Movie Guides. Here are the 30 best new movies at Redbox:1. CandymanRelease Date: August 27, 2021 Rent at Redbox The problem with writing about Candyman is that you will inevitably have to write “Candyman” five times. What if my monitor suddenly craps out, leaving me to see a paranormal entity rocking a full-length shearling behind my dark reflection? Unlike many of the white Chicagoans in writer/director Nia DaCosta’s slasher sequel, I’m not foolish enough to tempt the Bloody Mary of the Near North Side. I am, however, still drawn to her update of the legend, which manages to pick up the original film’s pieces and put them back together in a compelling, reclamatory collage. Ignoring the rest of the Candyman series in favor of a direct follow-up to Bernard Rose’s allegory-rich 1992 slasher, DaCosta introduces fancy-pants artist Anthony (Yahya Abdul-Mateen II) to the same urban legend that consumed lookie-loo grad student Helen Lyle. The original story adapted Clive Barker to U.S. racism and wealth inequality—particularly in Chicago, and even more particularly in Chicago’s Cabrini-Green projects. Now its homes and high-rises have been demolished or abandoned. A massive Target overlooks its northwest border, where you can buy athleisure and grab an in-house Starbucks before heading to Panera Bread. Gentrification may have neatly plastered over history, but that history cannot be so easily erased. “A story like that—a pain like that—lasts forever,” says Colman Domingo’s long-timer laundryman Burke. “That’s Candyman.” DaCosta makes it clear that Anthony’s pulled by the legend, by history, more intimately than Helen ever was, and updates her scares in turn. The nightmarish apartments and putrid bathrooms Helen crawled through and photographed neatly reflected the entity haunting them; but the projects have been paved over, and Candyman persists. DaCosta shoots the city accordingly, either in dividing straight lines, or fully warped: You never notice how Marina City’s towers look like beehives until they’re flipped upside-down. Spurred on by Anthony’s interest, Candyman’s now an inevitability in every reflective surface. You can’t look away from DaCosta’s inspired compositions and layouts, your eyes led from one dark corner to the next with an Invisible Man-like mastery of negative space. One of these days, you think, she’s going to run out of ideas about how to shoot a mirror kill. Not so, especially in her world of omnipresent, physically and psychically painful self-reflection. While the kills, perpetrated by a being mostly just seen in mirrors, are sometimes a bit too obfuscated by their gimmick to be viscerally satisfying, they slot in perfectly with the film’s themes and aesthetic even when they’re not dumping cascades of blood. The power of martyrdom, the cycles of economic exploitation, the blood price expected for progress—even if these ideas are imperfectly engaged with, they’re so compellingly introduced as to solidify Candyman as a must-see horror and a must-discuss tragedy.—Jacob Oller 2. DuneRelease Date: October 22, 2021 Rent at Redbox Both technologically innovative and narratively faithful to the original text, Denis Villeneuve’s Dune is bolstered by its seamless special effects and starpower above all else. Considering the director’s previous work in these arenas—namely Enemy, Arrival and Blade Runner 2049—he should be totally adept for the challenge. Yet there exists a nagging query that begs to be quelled: How much of this film is predicated on the sheer fact that cinematic advancements have finally rendered Dune an attainable possibility? Though it remains true to the first part of the text’s unhurried pace and detailed world building, Villeneuve’s adaptation feels overlong and void of subtext. It’s important to note that the film only adapts the first part of Herbert’s novel, which is notoriously kind of a slog. Much of the plot is focused on worldbuilding and creating an incremental immersion into the immaterial political hierarchies that shape this unknown yet familiar world. Admittedly, Villeneuve evokes and embraces this unhurriedness—a choice that just might predicate Dune’s future fortune. By limiting the scope to Part I, Villeneuve’s Dune maintains a consistent tone and sense of time—though it invariably drags over the course of two and a half hours. However, the meandering pace may perfectly suit fans of the original novel, which captures a certain pensive density indicative of the text. To be fair, there is a plain reason as to why Villeneuve opts for a subdued and sedated Dune. With so many failed attempts at adapting Herbert’s novel preceding it, how could the project ever fully embrace auteur-driven artistic risk? It translates as Villeneuve playing it safe, expending all of his energy on ensuring that his remake can’t possibly flop. Though Dune is faithful and fantastical in vision, its existence is merely proof that the enduringly popular novel can, in fact, be adapted into a box office hit.—Natalia Keogan 3. The Suicide SquadRelease Date: August 6, 2021 Rent at Redbox How is James Gunn one of the only people that actually seems to know how to make a comic book movie feel like it was built out of a comic book? Sure, the excellent Spider-Man: Into the Spider-Verse did it, but it took making one of the most impressive animated movies in years. Writer/director Gunn, who’s hopped over to DC after making a pair of Guardians of the Galaxy movies for Marvel, achieves some of the same delirious multimedia fidelity in live-action with The Suicide Squad, his bombastic, silly and self-aware revisionist take on the super-group of screw-ups coerced into jobs too tough, dangerous and/or undesirable for the conventional wetworkers of our humble government. Gunn’s action has such a clear and confident tone that it can pepper in filmmaking winks—like quick Bourne-like zooms when Task Force X director Amanda Waller (Viola Davis) plays God with the lives of costumed crooks from the safety of her command center—to add a little more visual flavor to its already over-the-top, R-rated, downright enjoyable adaptation. Part of the joke is the sheer quantity of goofball Legion of Doom rejects shoved into the mix. Sure, you’ve got the familiarly chaotic clown-about-town Harley Quinn (Margot Robbie, who’s by now thoroughly made the role her own), Captain Boomerang (Jai Courtney) and straight-laced military man Rick Flag (Joel Kinnaman) alongside the new A-listers (John Cena’s Captain America pastiche, Peacemaker; Idris Elba’s gruff sharpshooter Bloodsport). But there’s a Golden Corral buffet of questionable riffraff introduced as well, including but not limited to: King Shark (Sylvester Stallone, channeling a dumber and hungrier Groot), Polka-Dot Man (David Dastmalchian), Ratcatcher 2 (Daniela Melchior), Blackguard (Pete Davidson) and a human-sized weasel (Sean Gunn). They’re all distinct and most of them are distinctly, joyfully hateable. And over the course of The Suicide Squad’s solid tropical island action movie—one that’s politics are almost as sharply cynical as its true-to-source treatment of its protagonistic supervillains—Gunn isn’t afraid to dole out the kind of consequences that have mostly been relegated to the fun-poking, franchise-flouting realms of TV superhero meta-critiques like The Boys and Invincible. These aren’t unfamiliar to Suicide Squad readers, but they’re increasingly shocking, strange and bracing (not to mention fun!) to find in AAA studio movies. As the team moves from FUBAR beach operations on Corto Maltese to sabotaging its local lab’s super-science, actual tension develops—a rarity among The Suicide Squad’s contemporaries. Whatever power its additional The gave it couldn’t completely divorce it from some expected genre limitations, but it’s helped continue and solidify the way Warner Bros. is responding to Marvel’s utter dominance of the form: Not by getting more serious, but by seriously investing in the idiosyncrasies of its comics.—Jacob Oller 4. The Green KnightYear: 2021 Rent at Redbox When Sir Gawain departs Camelot, he rides past a scene of desolation. A once-prosperous forest stripped of its lush greenery by human hands, only splintered wood and dust remain. Through his journey, Gawain (Dev Patel) is greeted by similar, if not entirely equal imagery, constantly evocative of mankind’s awkward, unwanted presence within the natural world. One year prior, the Green Knight (Ralph Ineson) approached King Arthur (Sean Harris) and his Knights of the Round Table, conjured up by Gawain’s mother, Morgan Le Fay (Sarita Choudhury), seeking a participant for his Christmas Game. Should one of Arthur’s knights land a blow against him, the knight shall receive his mighty axe, but must seek him out exactly one year later to receive an equal blow in return. When Gawain, reluctant to accept though eager to bring honor to his name, agrees to the Green Knight’s terms, the humanoid creature only drops his axe and lowers his head to reveal an oaken neck, offering it to Gawain freely. Naturally, Gawain succeeds, but at what cost? The Green Knight retrieves his head and rides off into the night. Gawain understands he cannot do the same. Foliage sprouts in the stone cracks on the hall floor where the Green Knight’s blood has been spilt. David Lowery’s The Green Knight is a modern reckoning with a medieval fable. It’s a haunting, confounding, surprisingly erotic fantasy epic; a confrontation between man and nature, nature and religion, man and himself. Adapted from the anonymously authored Arthurian poem Sir Gawain and the Green Knight, Lowery’s austere yet spellbinding take on the simple 14th century legend evokes the same questions as the original work, interrogating the cost of one’s life for the sake of one’s honor when there is only certainty that they will die. “Greatness? Why is goodness not enough?” pleads Esel (Alicia Vikander), Gawain’s lover, a sex worker, whom he holds at arm’s length. But the film and Gawain’s quest carry a message that stretches far beyond the fantastical world of King Arthur, one about humanity’s inherent frailty in the face of far-reaching environmental destruction and what gods they have foolishly chosen in place of nature. Obscurities are what anchor The Green Knight as Lowery leans into the ambiguity that defines the original text and replaces it with his own equally mystifying visual interpretations. By blending his abstract sensibilities seen in 2017’s A Ghost Story with the grand fantasy of his live-action Pete’s Dragon, Lowery has crafted a breathtaking, titillating adaptation of folklore with a denouement that carries real-world weight.—Brianna Zigler 5. News of the WorldYear:
2020 Rent at Redbox Paul Greengrass and screenwriting partner Luke Davies may have adapted Paulette Jiles’ 2016 Western novel News of the World at least in partial consideration of how far the United States hasn’t come as a nation—around the time of the book’s publication, such cursed phrases as “fake news” and “alternative facts” were inducted into popular language by fascists and crooks attempting to pull a fast one on the American people. Neither of these terms, nor their equally grotesque cousins, make their way into Greengrass’ film, but the spirit that conjured them into being four years ago is alive and well in his recreation of the American frontier. His hero is Captain Jefferson Kyle Kidd (Hanks), a Confederate Civil War veteran who, having stood on the losing side of history, moseys across the Lone Star State and reads out-of-town papers to the locals at each stop on his journeys. The movie doesn’t exactly ask the viewer to overlook which side of the war Kidd stood on: In fact, the truth of his old allegiances becomes more unavoidable the less directly they’re spoken of. This is Texas. An erstwhile soldier in Texas could only have fought on one side of the aisle. News of the World damns Kidd without having to say a word. But as soon as the film judges him, it presents him with a chance at redemption in the form of a girl, Johanna (Helena Zengel). Zengel is a fresh spark in an otherwise old-fashioned production, but old-fashioned here is a compliment. News of the World has no interest in subverting or updating classic Western formulas: It is content with its function as a handsomely-made studio picture, built ostensibly around Hanks but with plenty of room for its young star to make her mark. What modernizes the movie has more to do with context than content. Anyone trapped in indentured servitude to social media—Twitter, Facebook, Instagram, or worse, other people’s Twitter, Facebook and Instagram accounts—should appreciate this calming two-hour reprieve from the unavoidable din publishers and platforms make in our lives today. There’s such a thing as too much news, whether for better or worse, and News of the World only tries to give us the best. —Andy Crump 6. PigYear: 2021 Rent at Redbox In the forest outside Portland, a man’s pig is stolen. Rob (Nicolas Cage) is a witchy truffle forager that we learn used to be a chef—a Michelin-starred Baba Yaga, a gastronomical Radagast—who sells his pig’s findings to sustain his isolated life. What follows is not a revenge thriller. This is not a porcine Taken. Pig, the ambitious debut of writer/director Michael Sarnoski, is a blindsiding and measured treatise on the masculine response to loss. Featuring Nicolas Cage in one of his most successful recent permutations, evolving Mandy’s silent force of nature to an extinct volcano of scabbed-over pain, Pig unearths broad themes by thoroughly sniffing out the details of its microcosm. The other component making up this Pacific NW terrarium, aside from Rob and the golden-furred Brandy’s endearingly shorthanded connection, is the guy Rob sells his truffles to, Amir. Alex Wolff’s tiny Succession-esque business jerk is a bundle of jagged inadequacies, and only Rob’s calloused wisdom can handle such prickliness. They’re exceptional foils for one another, classic tonal opposites that share plenty under the surface of age. Together, the pair search for the pignapping victim, which inevitably leads them out of the forest and back into the city. There they collide with the seediest, John Wick’s Kitchen Confidential kind of industry underbelly you can imagine, in a series of standoffs, soliloquies and strange stares. It’s a bit heightened, but in a forgotten and built-over way that feels more secret than fantastic. The sparse and spacious writing allows its actors to fill in the gaps, particularly Cage. Where some of Cage’s most riveting experiments used to be based in manic deliveries and expressionistic faces, what seems to engage him now is the opposite: Silence, stillness, realist hurt and downcast eyes. You can hear Cage scraping the rust off Rob’s voice, grinding the interpersonal gears much like the dilapidated truck he tries (and fails) to take into town. Wolff, along with much of the rest of the cast, projects an intense desperation for validation—a palpable desire to win the rat race and be somebody. It’s clear that Rob was once a part of this world before his self-imposed exile, clear from knowing gazes and social cues as much as the scenarios that lead the pig-seekers through basements and kitchens. Part of Pig’s impactful, moving charm is its restraint. It’s a world only hinted at in 87 minutes, but with a satisfying emotional thoroughness. We watch this world turn only slightly, but the full dramatic arcs of lives are on display. A sad but not unkind movie, and certainly not a pessimistic one, Pig puts its faith in a discerning audience to look past its premise.—Jacob Oller 7. Những con hổ giấyNăm: 2021 Giám đốc: Bao Tran Stars: Alain Uy, Ron Yuan, Mykel Shannon Jenkins, Roger Yuan, Matthew Page, Jae Suh Park, Joziah Lagonoy Xếp hạng: PG-13 RunTime: 108 phút 2021 Thuê tại Redbox Khi bạn là một võ sĩ và bậc thầy của bạn chết trong hoàn cảnh bí ẩn, bạn sẽ trả thù cho cái chết của họ. Nó có những gì bạn làm. Không có vấn đề gì nếu bạn là một chàng trai trẻ hoặc nếu bạn sống vững chắc cuộc sống trung niên đó. Giáo viên của bạn, người đi qua đáng ngờ có thể không được trả lời. Vì vậy, bạn nắm lấy các môn đệ đồng bào của mình, đeo nẹp đầu gối của bạn, đóng gói một lọ Icyhot và một vài ibuprofen, và bạn đặt mũi xuống đất để tìm kiếm manh mối và cho thủ phạm, ngay cả khi cơ bắp mềm mại của bạn khóc thở. Đó là những con hổ giấy ngắn, một bộ phim võ thuật từ Bao Tran về khoảng cách đặt giữa ba người đàn ông và vinh quang trong quá khứ của họ bởi sự khắc nghiệt của những năm 40 tuổi của họ. Nó cũng nói về những bộ phim thời trang cũ tốt, bởi vì một bộ phim võ thuật không có ass-whoopings không phải là một bộ phim nào cả. Nhưng Tran cân bằng phần thịt của thể loại (cảnh chiến đấu) với khoai tây (kịch) cộng với một con búp bê gia vị (hài), với hiệu ứng tương tự như Stephen Chow trong Kung Fu Pastiches của riêng mình, A La Kung Fu Hustle và Shaolin Soccer, The The Soccer, The The Sau này là người thân tinh thần của Tiger Paper Tiger. Việc sử dụng các vết cắt cận cảnh trong các cảnh chiến đấu của anh ấy giúp cho mọi cú đấm và đá tác động thực sự. Thật đáng ngạc nhiên khi thể hiện các phản ứng của nam diễn viên đối với việc nắm tay vào khuôn mặt đột nhiên mang lại cảm giác hành động và trọng lực, điều này mang lại cho bộ phim ý nghĩa cho việc làm hài lòng những phẩm chất làm hài lòng đám đông của nó. Chúng ta cần nhiều bộ phim hơn như những bộ phim, những bộ phim hiểu được niềm vui của một cuộc chiến được phân biệt tốt (và vì vấn đề đó làm thế nào để phối hợp một cuộc chiến tốt Một đầu gối bum vào một kẻ giết người đang chạy gag. Sự thật được dệt vào câu chuyện của anh ấy được chào đón, nhưng việc làm phim thông minh là điều làm cho những chú hổ giấy trở nên thú vị từ đầu đến cuối. 8. Tên lửa đỏNgày phát hành: ngày 10 tháng 12 năm 2021 Giám đốc: Sean Baker Stars: Simon Rex, Bree Elrod, Suzanna Son, Brenda Deiss, Ethan Darbone, Judy Hill Xếp hạng: R Thời gian chạy: 128 phút December 10, 2021 Thuê tại Redbox Khi bạn là một võ sĩ và bậc thầy của bạn chết trong hoàn cảnh bí ẩn, bạn sẽ trả thù cho cái chết của họ. Nó có những gì bạn làm. Không có vấn đề gì nếu bạn là một chàng trai trẻ hoặc nếu bạn sống vững chắc cuộc sống trung niên đó. Giáo viên của bạn, người đi qua đáng ngờ có thể không được trả lời. Vì vậy, bạn nắm lấy các môn đệ đồng bào của mình, đeo nẹp đầu gối của bạn, đóng gói một lọ Icyhot và một vài ibuprofen, và bạn đặt mũi xuống đất để tìm kiếm manh mối và cho thủ phạm, ngay cả khi cơ bắp mềm mại của bạn khóc thở. Đó là những con hổ giấy ngắn, một bộ phim võ thuật từ Bao Tran về khoảng cách đặt giữa ba người đàn ông và vinh quang trong quá khứ của họ bởi sự khắc nghiệt của những năm 40 tuổi của họ. Nó cũng nói về những bộ phim thời trang cũ tốt, bởi vì một bộ phim võ thuật không có ass-whoopings không phải là một bộ phim nào cả. Nhưng Tran cân bằng phần thịt của thể loại (cảnh chiến đấu) với khoai tây (kịch) cộng với một con búp bê gia vị (hài), với hiệu ứng tương tự như Stephen Chow trong Kung Fu Pastiches của riêng mình, A La Kung Fu Hustle và Shaolin Soccer, The The Soccer, The The Sau này là người thân tinh thần của Tiger Paper Tiger. Việc sử dụng các vết cắt cận cảnh trong các cảnh chiến đấu của anh ấy giúp cho mọi cú đấm và đá tác động thực sự. Thật đáng ngạc nhiên khi thể hiện các phản ứng của nam diễn viên đối với việc nắm tay vào khuôn mặt đột nhiên mang lại cảm giác hành động và trọng lực, điều này mang lại cho bộ phim ý nghĩa cho việc làm hài lòng những phẩm chất làm hài lòng đám đông của nó. Chúng ta cần nhiều bộ phim hơn như những bộ phim, những bộ phim hiểu được niềm vui của một cuộc chiến được phân biệt tốt (và vì vấn đề đó làm thế nào để phối hợp một cuộc chiến tốt Một đầu gối bum vào một kẻ giết người đang chạy gag. Sự thật được dệt vào câu chuyện của anh ấy được chào đón, nhưng việc làm phim thông minh là điều làm cho những chú hổ giấy trở nên thú vị từ đầu đến cuối. 9. Judas and the Black MessiahYear: 2021 Rent at Redbox “Not all skinfolks are kinfolks” is an idiom used colloquially among Black people to address the fact that although they share a racial identity and corresponding experiences of racism, intracommunal ideas regarding the path to Black liberation are seldom synchronous. Furthermore, white supremacy’s propagation of capitalist individualism as the default social framework positions Black collective action as an inherent threat to the United States of America. Director Shaka King centers all these tensions in his brilliant film Judas and the Black Messiah, a historical drama tinged with dazzling shades of caramel and crimson that documents the FBI’s calculated assassination of noted Black Panther Fred Hampton (Daniel Kaluuya). When car thief Bill O’Neal (LaKeith Stanfield) is caught impersonating a federal officer, FBI agent Roy Mitchell (Jesse Plemons) offers him an ultimatum: If O’Neal helps the Feds infiltrate the Black Panther Party and offers intel on their tactics, he can evade a substantial prison sentence and be handsomely compensated for his cooperation. As O’Neal immerses himself into the world of the Black Panthers, his commitment to his own self-interest is pressured by the Panthers’ communitarianism and radical politics. Judas and the Black Messiah superbly centralizes the betrayal of the informant’s Judas figure as he operates as a nexus between the Panthers and J. Edgar Hoover (Martin Sheen)’s FBI, while also amplifying the experiences of the messianic Hampton and his fellow prominent Panthers portrayed by the film’s impressive ensemble cast. While I would love to see Kaluuya take on a leading role in which he at no point has to fight for his life (Get Out, Widows, Black Panther, Queen & Slim) he is an exemplary Fred Hampton. EX-EM-PLA-RY. From the head tilt to the Chicagoan cadence to the emotive gaze, Kaluuya manages to embody Hampton’s physicality and voice without falling into the trap of pure mimicry or impressionism. This is no small achievement especially considering the dearth of Hampton’s fictionalized portrayals. On the other side of things, Stanfield sinks into O’Neal’s paranoia and shivering soul in a way that simultaneously prompts reasonable disgust towards the character and intermittent bouts of empathy. Understanding that Black liberation can not move at the speed of white supremacist comfort is the price of mental and emotional admission to this film. As it should be. Judas and the Black Messiah remarkably fashions a world in which O’Neal’s behaviors are contextualized through the ethos of America’s institutions, and one where the efforts of Hampton and the Panthers are given abundant space to be boldly witnessed.—Adesola Thomas 10. The Matrix ResurrectionsHBO Max Release Date: Dec. 22, 2021 Rent at Redbox As excitingly fresh and ambitious as The Matrix was in its approach to cyberpunk cinema in 1999, The Matrix Resurrections is just as devoted to its bold and disruptive vision in 2021. By returning us to Neo (Keanu Reeves), Trinity (Carrie-Anne Moss) and the Matrix within a framework keyed into, amused with and ultimately intrigued by remake/reboot culture, Resurrections is a stimulating and often joyous meta narrative—all stuffed into a conventional enough sci-fi suit and tie to pass as Mr. Anderson for those happily horking down blue pills. This clever commentary comes packaged as the life of ol’ grown-up Thomas Anderson (Reeves), famed programmer living off his revolutionary-yet-fleeting videogame, The Matrix. Anderson is seeing a therapist for that nagging splinter in his mind—and we get the impression that the hot mom he’s been bashfully eye-banging at his local coffee joint, Tiffany (Moss), might suffer a similar affliction. They need saving, which requires going back down the rabbit hole and confronting their shared past. To reunite, to find that old magic, to resurrect, they—and the movie—need to jump through some hoops. But, as it does, you begin to see its stance towards itself shifting: What once was an easy joke, a Super Bowl commercial where Neo puts on some VR gear and says “Woah,” villainizes that same crassness to become an optimistic and reclamatory piece of sci-fi playing with new and relevant phenomena (fandom, auteur expectation, canon, the idolization of IP) just as the original trilogy played with the burgeoning cyberpunk and hacker scene. Bugs and her real-world crew are really into The One. How they relate to this new Matrix, how the citizens of Zion live, how the uneasy relationship between machines and humans turned out post-Revolutions (or, to be even more specific, post-The Matrix Online)—we get glimpses of it all, but it’s not servicing fans. It’s in service of itself. It is a shift from corporate pessimism (the very analysis and identification of which and other themes like it are lovingly mocked in that same montage-heavy opening) to a subversive positivity. Returning characters don’t just need to be callbacks. Twisty hallways or underground brawls can be more than reference material. There is value in looking back as long as that experience moves you forward. At its best, which is mostly when Reeves and Moss share the screen and their red-hot chemistry and intimate warmth are able to embody these abstractions, Resurrections leaps from staggering heights and confidently soars. Sometimes literally.—Jacob Oller 11. Sói của Snow HollowNăm: 2020 Giám đốc: Jim Cummings Stars: Jim Cummings, Robert Forster, Riki Lindhome, Chloe East, Jimmy Tatro, Kevin Changaris, Skyler Kinh thánh, Demetrius Daniels Xếp hạng: R Runtime: 83 phút 2020 Thuê tại Redbox Cảnh sát cảnh sát Snow Hollow John Marshall (Cummings) cân bằng không ổn định các cuộc gặp gỡ vô danh với những chuyến đi nuôi con gái tuổi teen của mình, Jenna (Chloe East), chăm sóc người cha ốm yếu của mình, Hadley (Forster), duy trì quan hệ ngoại giao với người yêu cũ và giữ Nắp trên núi lửa của mình. Khi một người phụ nữ (Annie Hamilton) bị xé toạc vào một chuyến thăm cuối tuần tới quê hương trượt tuyết của John, chỉ một lúc trước khi bạn trai của cô (Jimmy Tatro) lên kế hoạch cầu hôn cô, John kéo dài đến giới hạn của anh và xa hơn khi anh theo đuổi kẻ giết người, Người mà mọi người kết thúc với sự nhanh nhẹn khó hiểu là người sói chứ không phải là một người đàn ông. Nhân vật đồng nghiệp của anh ấy và cấp dưới của anh ấy là nhân vật Stumbumbum và sự hoàn hảo của chính Snow Hollow hoạt động giống như xăng. Sự đồng thuận rằng thị trấn đang bị tấn công từ một sinh vật thần thoại là rơm làm cho tĩnh mạch ở cổ John xông lên căng thẳng với sự tức giận. Sói của Snow Hollow vùng đất trong không gian nơi kinh dị và hài hước gặp nhau, khai thác tiếng cười trong các trận chiến thương tiếc và giam giữ. Cummings, cười là loại gây khó chịu cho tín hiệu: những cú đấm của anh ta rất sắc bén, khiến bộ phim xung quanh xung quanh khó chịu đi xuống dễ dàng hơn. Xem một cảnh sát có được thể chất với bất kỳ ai đủ nhấn nút của anh ta gây ra sự vặn vẹo. Khi các sĩ quan Bo (Kevin Changaris) vô tình nói quá nhiều về vụ giết người trước mặt các phóng viên, John gọi anh ta đến một bãi tuyết và bắt đầu đánh người tội nghiệp, một khoảnh khắc sẽ rơi vào bóng tối thuần khiết mà không cần sự trợ giúp của một Nhạc phim và tát của vụ ẩu đả của họ. Bất kể, vấn đề được đưa ra: John, trên cạnh, và cạnh của anh ấy thật đáng ngạc nhiên. Những người nói đùa gượng gạo, linh hoạt mang đến cho Sói của Snow Hollow một làn da gai góc, và việc áp dụng FX hạn chế giúp nó căng thẳng. Chỉ dưới 80 phút, nền kinh tế đó là chìa khóa. Nó không quá nhiều đến nỗi nỗi kinh hoàng được nâng lên như được kiểm soát. Nhưng thay vì kêu gọi sự man rợ bẩm sinh của hốc người sói, chỉ huy của Cummings, đối với tài liệu của anh ta mang đến cho bộ phim một sự mới mẻ nhất định. Anh ta thuần hóa con quái vật trong người đàn ông để người đàn ông đó là tất cả những gì mà còn lại, tốt hơn và tồi tệ hơn. John là người hoàn hảo, nhưng một người đàn ông không hoàn hảo không cần phải là một con thú. 12. Người đàn ông vô hìnhNăm: 2020 Đạo diễn: Leigh Whannell Stars: Elisabeth Moss, Oliver Jackson-Cohen, Harriet Dyer, Aldis Hodge, Storm Reid, Michael Dorman thể loại: Horror, Mystery & hồi hộp, Khoa học viễn tưởng & Fantasy Xếp hạng: R Thời gian chạy: 110 phút 2020 Thuê tại Redbox Cảnh sát cảnh sát Snow Hollow John Marshall (Cummings) cân bằng không ổn định các cuộc gặp gỡ vô danh với những chuyến đi nuôi con gái tuổi teen của mình, Jenna (Chloe East), chăm sóc người cha ốm yếu của mình, Hadley (Forster), duy trì quan hệ ngoại giao với người yêu cũ và giữ Nắp trên núi lửa của mình. Khi một người phụ nữ (Annie Hamilton) bị xé toạc vào một chuyến thăm cuối tuần tới quê hương trượt tuyết của John, chỉ một lúc trước khi bạn trai của cô (Jimmy Tatro) lên kế hoạch cầu hôn cô, John kéo dài đến giới hạn của anh và xa hơn khi anh theo đuổi kẻ giết người, Người mà mọi người kết thúc với sự nhanh nhẹn khó hiểu là người sói chứ không phải là một người đàn ông. Nhân vật đồng nghiệp của anh ấy và cấp dưới của anh ấy là nhân vật Stumbumbum và sự hoàn hảo của chính Snow Hollow hoạt động giống như xăng. Sự đồng thuận rằng thị trấn đang bị tấn công từ một sinh vật thần thoại là rơm làm cho tĩnh mạch ở cổ John xông lên căng thẳng với sự tức giận. Sói của Snow Hollow vùng đất trong không gian nơi kinh dị và hài hước gặp nhau, khai thác tiếng cười trong các trận chiến thương tiếc và giam giữ. Cummings, cười là loại gây khó chịu cho tín hiệu: những cú đấm của anh ta rất sắc bén, khiến bộ phim xung quanh xung quanh khó chịu đi xuống dễ dàng hơn. Xem một cảnh sát có được thể chất với bất kỳ ai đủ nhấn nút của anh ta gây ra sự vặn vẹo. Khi các sĩ quan Bo (Kevin Changaris) vô tình nói quá nhiều về vụ giết người trước mặt các phóng viên, John gọi anh ta đến một bãi tuyết và bắt đầu đánh người tội nghiệp, một khoảnh khắc sẽ rơi vào bóng tối thuần khiết mà không cần sự trợ giúp của một Nhạc phim và tát của vụ ẩu đả của họ. Bất kể, vấn đề được đưa ra: John, trên cạnh, và cạnh của anh ấy thật đáng ngạc nhiên. Những người nói đùa gượng gạo, linh hoạt mang đến cho Sói của Snow Hollow một làn da gai góc, và việc áp dụng FX hạn chế giúp nó căng thẳng. Chỉ dưới 80 phút, nền kinh tế đó là chìa khóa. Nó không quá nhiều đến nỗi nỗi kinh hoàng được nâng lên như được kiểm soát. Nhưng thay vì kêu gọi sự man rợ bẩm sinh của hốc người sói, chỉ huy của Cummings, đối với tài liệu của anh ta mang đến cho bộ phim một sự mới mẻ nhất định. Anh ta thuần hóa con quái vật trong người đàn ông để người đàn ông đó là tất cả những gì mà còn lại, tốt hơn và tồi tệ hơn. John là người hoàn hảo, nhưng một người đàn ông không hoàn hảo không cần phải là một con thú. 13. Ad AstraYear: 2019 Rent at Redbox Brad Pitt plays Roy McBride, an astronaut from a “future near to ours,” who, when we meet him, is somehow surviving an explosion from an international space station by using his preternatural ability to control his heart rate and his breathing, remaining calm in the face of mortal peril. The explosion was caused by a series of solar flares that, it’s learned, may be caused by an experiment years before led by Roy’s father, Griffin (Tommy Lee Jones), who was thought to have died but may be alive and in fact may have sabatoged the mission. Government officials, fearing the flares could end up destroying all life on planet Earth, want Roy to send a message to Griffin’s ship, hopefully persuading him to halt the flares and come back home. Roy, who hasn’t seen his father since he was a teenager, isn’t sure the mission’s going to work…but he’s haunted by his own demons, demons not entirely disconnected from his father. If this sounds like an exciting space yarn, know that director James Gray is in a much more meditative state here: The film is more about the mystery of the soul of man than it is about the mystery of the universe, or even about some big spaceship fights. The universe is the backdrop to the story of a man and his thwarted issues with his father, and his inability to connect with anyone else in the world because of it. Like many of Gray’s films, Ad Astra is about the depths one can find within oneself, how far down anyone can climb and hide. Pitt wouldn’t seem like the ideal actor for a part like that—charisma drips off him so effortlessly that it leaves a trail behind him wherever he goes—but he’s impressive at playing a man who doesn’t understand himself but suspects the answer to the riddle that has vexed him his whole life must be in this man who gave him life but whom he never really knew. There’s a reserve here that Pitt draws on that works well for him; it’s a serious performance, but it never feels showy. He is searching for something, knowing full well he probably won’t find it. Gray does provide some thrills on the journey of father to find son, and they are extremely well-crafted, particularly a battle with space pirates on the moon that takes place in a world without both gravity and sound. And in Pitt he has a solid emotional center that the audience will still follow anywhere, even if it’s to the ends of the solar system just to confront his daddy issues. —Will Leitch 14. F9Year: 2021 Rent at Redbox This latest entry marks the return of director Justin Lin, who helped guide the series’ evolution from Tokyo Drift to Fast & Furious 6, and while he struggles with how unwieldy F&F has become, his undeniable understanding of what makes these movies tick keeps the film roaring along. Lin’s still adding new characters and twists to this high-octane telenovela as often as prefixes, retconning deaths and introducing long-lost brothers as easily as he moves from simply defying physics to defying astrophysics—as easily as he turned street-racing spies into globe-trotting superspies. The crew, including the newly domestic Dom and Letty, is pulled back into the world of…whatever it is they do...once again and their impossible mission (which they always choose to accept) has to do with another globally destructive techno-MacGuffin and a globally destructive flesh-MacGuffin: Dom’s younger brother Jakob (John Cena), excommunicated from the family for sins that become apparent over the course of extensive flashbacks. As Dom’s uneasy relationship with Jakob becomes clear—over the course of explosion-laden jungle races, rooftop chases and posh sitting room brawls—F9’s knowing relationship with its own cartoonishness balances it out. One of the funniest gags sees Tyrese Gibson’s Roman openly speculating if he and the rest of the crew have plot armor. Are they actually invincible? The gang realizing that they’re all in a movie seems like it could honestly be the next step, with them turning their cars towards the camera and bursting out of the fiction like Daffy Duck in Duck Amuck. While both come too late in the film for my taste (leaving much of the film hanging on how pleased you get seeing the admittedly amusing returns of Sung Kang and Lucas Black), two innovations keep F9 on the cutting edge of ridiculous action: Magnets and rockets. But such winning ideas, timed as they are to energize a relatively dramatic entry like last-minute nitro boosts, have a hard time standing out amidst the meandering plot and the narrative’s bevy of cameos. Perhaps the most telling way in which you can tell that F9’s action is a little underwhelming is that the standout moment from the film is purely dramatic. A shockingly well-directed “life flashing before your eyes” sequence allows Diesel to undersell a bevy of emotions through little more than a lemon-pursed mouth, while Lin spins his past, present and future around him. It’s not a great standalone entry into the Fast canon, but as the franchise speeds towards its finish line, it’s still satisfying to know that it’s in the hands of someone well-versed in the series’ strengths and still willing to imagine new ways to crash its toys into each other.—Jacob Oller 15. Knives OutYear:
2019 Rent at Redbox Knives Out is the type of movie that’s not so much a dying breed as one that just occurs uncommonly “in the wild.” Hollywood seems to release a new take on the classic (i.e., Agatha Christie-imprinted) murder mystery “who dunnit”—where an eccentrically mannered detective attempts to figure out who amongst a roomful of suspects has committed murder most foul—every five-to-10 years. For most viewers, the pleasures of such movies go beyond trying to figure out the killer before the detective does—there’s also typically a star-studded cast chewing up the scenery. Beyond dependable Christie fare like Death on the Nile (1978) and Murder on the Orient Express (2017), there’s Clue (1985), Gosford Park (2001) and now Rian Johnson’s Knives Out. Johnson’s latest starts out in classic who-dunnit fashion—acclaimed mystery writer Harlan Thrombey (Christopher Plummer) is found dead by apparent suicide the night after gathering his family together and delivering a series of unpopular messages. Enter the local police (led by Lakeith Stansfield’s Det. Lt. Elliott) and eccentrically mannered (there we go!) private detective Benoit Blanc (Daniel Craig). Suspects are interrogated. Secrets are revealed. Then, right as the viewer is gearing up to lay some Sherlock Holmes/Hercule Poirot/Encyclopedia Brown-level discernment on all this, Johnson reveals what happened to the elder Thrombey. This flips the entire experience for the viewer, as they go from trying to figure out what happened to wondering if the truth will be discovered. Much as he did with Dashiell Hammett-style noir in his debut, Brick, Johnson shows both a reverence for and a willingness to tinker with the tropes and formula underpinning his story. It’s all delightful to watch. If, ultimately, Knives Out accomplishes what it sets out to do—which might sound like faint or even damning praise with another film or in another genre—here it’s meant as the sincerest of plaudits. —Michael Burgin 16. XRelease Date: March 18, 2022 Rent at Redbox X is a remarkable and unexpected return to form for director Ti West, a decade removed from an earlier life as an “up and coming,” would-be horror auteur who has primarily worked as a mercenary TV director for the last 10 years. To return in such a splashy, way, via an A24 reenvisioning of the classic slasher film, intended as the first film of a new trilogy or even more, is about the most impressive resurrection we’ve seen in the horror genre in recent memory. X is a scintillating combination of the comfortably familiar and the grossly exotic, instantly recognizable in structure but deeper in theme, richness and satisfaction than almost all of its peers. How many attempts at throwback slasher stylings have we seen in the last five years? The answer would be “countless,” but few scratch the surface of the tension, suspense or even pathos that X crams into any one of a dozen or more scenes. It’s a film that unexpectedly makes us yearn alongside its characters, exposes us (graphically) to their vulnerabilities, and even establishes deeply sympathetic “villains,” for reasons that steadily become clear as we realize this is just the first chapter of a broader story of horror films offering a wry commentary on how society is shaped by cinema. Featuring engrossing cinematography, excellent sound design and characters deeper than the broad archetypes they initially register as to an inured horror audience, X offers a modern meditation on the bloody savagery of Mario Bava or Lucio Fulci, making old hits feel fresh, timely and gross once again. In 2022, this film is quite a gift to the concept of slasher cinema. —Jim Vorel 17. FreakyYear: 2020 Rent at Redbox On its face, the prospect of resurrecting two franchise IPs which have been endlessly re-made decade after decade teeters on the banal and unimaginative. Yet director Christopher Landon’s Freaky effortlessly weaves together the conventions of Freaky Friday and Friday the 13th, eschewing the confines of “remake,” instead creating a unique genre hybrid that’s slick and endlessly entertaining—all the while maintaining a clever self-awareness which enlivens the film’s jump-scares and punchlines without descending into the horror-comedy pitfall of self-referential metaness. What follows is a binary-bending comic exercise in sexual fluidity and gender expression which juxtaposes Vince Vaughn’s hefty stature with Kathryn Newton’s petite frame in order to prod at the horror genre’s previously held notion of who is perceived as weak, both in attitude and appearance. Vaughn and Newton give stellar performances, channeling the other’s mannerisms while poking fun at their own corporeal limitations and their immediate (dis)comfort within their new vessels. It’s heartening to see that the horror genre—still undeniably male-dominated—persists in its commitment to pushing boundaries. Whether those boundaries demarcate what we are able to stomach in terms of violence or what we are able to unpack within our own internal concepts of gender and sexuality, Freaky joins these tenets in order to craft a horror story rife with unexpected, imaginative kills all while subverting societal expectations of who we should really be afraid of—and why.—Natalia Keogan 18. Những người chúc tôi chếtNăm: 2021 Đạo diễn: Taylor Sheridan Stars: Angelina Jolie, Nicholas Hoult, Finn Little, Aidan Gillen, Medina Senghore, Tyler Perry, Jake Weber, Jon Bernthal Thể loại: Thriller Xếp hạng: R Runtime: 100 phút 2021 Thuê tại Redbox Có một vài điều về một phim kinh dị khiến tôi phấn khích hơn là nhận ra bộ phim không dựa vào cốt truyện phức tạp mà MacGuffins, nhưng trên một bối cảnh và nhân vật hoàn toàn nhận ra là làm cho nhà của họ hoặc thấy mình bất lực ở đó. Từ nhà văn/đạo diễn Taylor Sheridan, những người chúc tôi chết là một trong những phim kinh dị đó và hai yếu tố đó, bối cảnh và nhân vật, là hai người mà Sheridan có khả năng nhất. Dựa trên cuốn tiểu thuyết cùng tên của Michael Koryta, năm 2014, bộ phim Câu chuyện sinh tồn vững chắc của bộ phim được tăng cường bởi những bộ đồng phục quyến rũ và môi trường thanh lịch, nổi bật. Sự thích nghi đơn giản hóa này (mà Koryta đồng sáng tác với Sheridan cùng với Charles Leavitt) đẩy mạnh và xấu cùng với sự tự tin dễ dàng của một vụ xả súng. Một kế toán pháp y (Jake Weber, đóng vai một kế toán viên khá xấu nhưng không phải là một kẻ xấu cấp kế toán) và con trai của anh ta, Connor (Finn Little) đang chạy trốn. Tại sao? Chà, hầu hết chúng ta nhận được là cha Connor, đã phát hiện ra một điều gì đó khá đáng sợ và những người bị buộc tội không quá hạnh phúc. "Bạn đã làm gì?" Connor hỏi. Tất cả những gì anh ấy thực sự nhận được bằng cách trả lời là, điều đúng đắn. Nhanh chóng, thực tế khó khăn đó đặt ra trong đó điều đúng đắn có thể không phải là thứ không có hậu quả mà nó bị phá vỡ. Nó tất cả được mang theo bởi dàn diễn viên của nó, và Angelina Jolie là thành viên tốt nhất của nó. Cô đóng vai Hannah, người mà Connor tình cờ gặp trong khu rừng sau khi Kế hoạch A bị vứt bỏ cho B. Một chiếc khói (về cơ bản giống như nếu một người lính cứu hỏa thường xuyên bị phá vỡ) với PTSD, Hannah bị bỏ mặc cảm giác tội lỗi và bị rung chuyển sau khi đặc biệt cháy rừng khủng khiếp. Nó cũng khiến cô bị mắc kẹt trong một nhiệm vụ ngõ cụt: tất cả một mình trong nhiệm vụ đồng hồ, cao trên khu rừng trong một tháp lửa bị cô lập. Trong số những chiến công trực quan khác được Ben Richardson (nhà quay phim của Sheridan trên sông Wind và Yellowstone, người gần đây đã giúp đỡ Easttown, [Render] , vượt xa những ngọn cây xanh tươi. Các bản hòa tấu va chạm, Ricochet và Tangle khi những người chúc tôi chết xây dựng sự tàn bạo của nó nếu dự kiến hồi hộp, và nó gần như không thể nhìn đi chỗ khác. Nó có một khu rừng rậm rạp, nhân vật hiểu biết, cốt lõi đạo đức mà cả hai đều lạc quan và đủ bi quan để duy trì những chiếc mũ trắng và đen thời hiện đại của nó. Nó loại bỏ sự phức tạp và sự gắn kết thẩm mỹ mà không hối hận và Sicario: Day of the Soldado (tác phẩm kịch bản mới nhất của Sheridan,) rất thiếu. Nắm bắt và thông minh, những người ước tôi đã chết là hồi sinh. 19. Tiếng thétNgày phát hành: 14 tháng 1 năm 2022 Giám đốc: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett Stars: Neve Campbell, Courteney Cox, David Arquette, Melissa Barerra, Jack Quaid Xếp hạng: R Run Time: 120 phút January 14, 2022 Thuê tại Redbox Có một vài điều về một phim kinh dị khiến tôi phấn khích hơn là nhận ra bộ phim không dựa vào cốt truyện phức tạp mà MacGuffins, nhưng trên một bối cảnh và nhân vật hoàn toàn nhận ra là làm cho nhà của họ hoặc thấy mình bất lực ở đó. Từ nhà văn/đạo diễn Taylor Sheridan, những người chúc tôi chết là một trong những phim kinh dị đó và hai yếu tố đó, bối cảnh và nhân vật, là hai người mà Sheridan có khả năng nhất. Dựa trên cuốn tiểu thuyết cùng tên của Michael Koryta, năm 2014, bộ phim Câu chuyện sinh tồn vững chắc của bộ phim được tăng cường bởi những bộ đồng phục quyến rũ và môi trường thanh lịch, nổi bật. Sự thích nghi đơn giản hóa này (mà Koryta đồng sáng tác với Sheridan cùng với Charles Leavitt) đẩy mạnh và xấu cùng với sự tự tin dễ dàng của một vụ xả súng. Một kế toán pháp y (Jake Weber, đóng vai một kế toán viên khá xấu nhưng không phải là một kẻ xấu cấp kế toán) và con trai của anh ta, Connor (Finn Little) đang chạy trốn. Tại sao? Chà, hầu hết chúng ta nhận được là cha Connor, đã phát hiện ra một điều gì đó khá đáng sợ và những người bị buộc tội không quá hạnh phúc. "Bạn đã làm gì?" Connor hỏi. Tất cả những gì anh ấy thực sự nhận được bằng cách trả lời là, điều đúng đắn. Nhanh chóng, thực tế khó khăn đó đặt ra trong đó điều đúng đắn có thể không phải là thứ không có hậu quả mà nó bị phá vỡ. Nó tất cả được mang theo bởi dàn diễn viên của nó, và Angelina Jolie là thành viên tốt nhất của nó. Cô đóng vai Hannah, người mà Connor tình cờ gặp trong khu rừng sau khi Kế hoạch A bị vứt bỏ cho B. Một chiếc khói (về cơ bản giống như nếu một người lính cứu hỏa thường xuyên bị phá vỡ) với PTSD, Hannah bị bỏ mặc cảm giác tội lỗi và bị rung chuyển sau khi đặc biệt cháy rừng khủng khiếp. Nó cũng khiến cô bị mắc kẹt trong một nhiệm vụ ngõ cụt: tất cả một mình trong nhiệm vụ đồng hồ, cao trên khu rừng trong một tháp lửa bị cô lập. Trong số những chiến công trực quan khác được Ben Richardson (nhà quay phim của Sheridan trên sông Wind và Yellowstone, người gần đây đã giúp đỡ Easttown, [Render] , vượt xa những ngọn cây xanh tươi. Các bản hòa tấu va chạm, Ricochet và Tangle khi những người chúc tôi chết xây dựng sự tàn bạo của nó nếu dự kiến hồi hộp, và nó gần như không thể nhìn đi chỗ khác. Nó có một khu rừng rậm rạp, nhân vật hiểu biết, cốt lõi đạo đức mà cả hai đều lạc quan và đủ bi quan để duy trì những chiếc mũ trắng và đen thời hiện đại của nó. Nó loại bỏ sự phức tạp và sự gắn kết thẩm mỹ mà không hối hận và Sicario: Day of the Soldado (tác phẩm kịch bản mới nhất của Sheridan,) rất thiếu. Nắm bắt và thông minh, những người ước tôi đã chết là hồi sinh. 20. Người NorthmanNgày phát hành: ngày 22 tháng 4 năm 2022 Đạo diễn: Robert Eggers Stars: Alexander Skarsgård, Nicole Kidman, Claes Bang, Anya Taylor-Joy, Ethan Hawke, Willem Dafoe, Björk Xếp hạng: R Thời gian chạy: 140 phút April 22, 2022 Thuê tại Redbox Được rèn giũa trong ngọn lửa và giận dữ, Robert Eggers, The Northman là một câu chuyện tinh tế về sự báo thù bạo lực không có tù nhân. Được đồng sáng tác bởi Eggers và nhà thơ người Iceland Sjón (người gần đây cũng đồng sáng tác A24, Creature Creature Creature Feature Lamb), bộ phim ngày càng bị bắt giữ và chìm đắm trong đạo diễn lâu đời về độ chính xác của thời kỳ. Trực quan tuyệt đẹp và được biên đạo một cách tỉ mỉ, Northman hoàn toàn đo lường được những kỳ vọng sử thi của nó. Truyền thuyết được ghi chép ở Northman cảm thấy hoàn toàn mới mẻ, đồng thời khá quen thuộc. Vua Aurvandill (Ethan Hawke) bị giết bởi anh trai Fjölnir (Claes Bang), người lần lượt lấy người cai trị đã chết ngai vàng và Nữ hoàng Gudrún (Nicole Kidman) cho chính mình. Trước khi chịu thua Fratricide, Aurvandill đã gọi con trai nhỏ Amleth (Oscar Novak) là người kế vị của mình, khiến anh trở thành mục tiêu tiếp theo ngay lập tức cho Blade chú của mình. Khéo léo trốn tránh bị bắt, Amleth đưa một chiếc thuyền gỗ trên vùng nước đục ngầu của Ireland ven biển, để rên rỉ khi hô vang cuộc sống mới của mình, tôi sẽ trả thù con, cha. Tôi sẽ cứu mẹ, mẹ. Tôi sẽ giết bạn, fjölnir. Nhiều năm sau, Amleth (do Alexander Skarsgård của Alexander Skarsgård thủ vai (do Alexander Skarsgård thủ vai) đã tự nhận mình là một chiến binh tàn nhẫn giữa một gia tộc của những kẻ điên cuồng Viking, tặng gấu gấu và cướp bóc một loạt các ngôi làng trong một cơn giận dữ. Người Northman là một người sử thi Viking có thể tiếp cận, quyến rũ với lực lượng bất hòa, song song của sự tàn bạo của con người và kết nối định mệnh. Tuy nhiên, điều đáng nói là bộ phim cảm thấy ít đáng chú ý hơn giống như Eggers trong việc thực hiện so với các tác phẩm trước đó của anh ấy. Nó tự hào có một bản hòa tấu lớn hơn nhiều, dường như phải trả giá ít hơn và ít kinh hoàng hơn trong khí quyển. Cùng một vị trí, nó tránh sự quan tâm của nhà làm phim đối với dân gian New England, mặc dù Northman kết hợp niềm đam mê của Eggers với Lâm nghiệp và thủy triều đại dương. Tuy nhiên, The Northman kết hợp những màn trình diễn ấn tượng nhất của Eggers, đã thành lập phong cách, các cảm ứng lịch sử chính xác, văn hóa dân gian thôi miên với lời hứa mới về việc đánh thức, các chuỗi hành động mở rộng. Kết quả là liên tục giải trí, thường gây sốc và thấm nhuần tập trung học thuật. Sẽ hoàn toàn không có gì đáng ngạc nhiên nếu điều này được khán giả coi là Opus Eggers. Đối với những người đã say mê với những nỗ lực trước đây của đạo diễn, Northman có thể không cảm thấy mặc khải như phù thủy hoặc năng động tại ngọn hải đăng. Tuy nhiên, những gì bộ phim thiếu trong các lý tưởng phim của Eggers, nó không chỉ là bù đắp cho tình trạng không thể chạm tới của nó như là một câu chuyện trả thù Viking có nhịp độ nhanh nhưng khó tính. The Northman hoàn toàn vô song bởi các sử thi hiện có và thậm chí có lẽ bởi những người chắc chắn vẫn còn đến, có khả năng lấy cảm hứng từ tầm nhìn cẩn thận của một nhà làm phim trong thời kỳ đầu của mình. 21. Raya và con rồng cuối cùngNăm: 2021 Giám đốc: Don Hall, Carlos López Estrada Ngôi sao: Kelly Marie Tran, Awkwafina, Izaac Wang, Gemma Chan, Daniel Dae Kim, Benedict Wong, Sandra Oh, Thalia Tran, Lucille Soong Xếp hạng: PG RunTime: 107 phút phút 2021 Thuê tại Redbox Được rèn giũa trong ngọn lửa và giận dữ, Robert Eggers, The Northman là một câu chuyện tinh tế về sự báo thù bạo lực không có tù nhân. Được đồng sáng tác bởi Eggers và nhà thơ người Iceland Sjón (người gần đây cũng đồng sáng tác A24, Creature Creature Creature Feature Lamb), bộ phim ngày càng bị bắt giữ và chìm đắm trong đạo diễn lâu đời về độ chính xác của thời kỳ. Trực quan tuyệt đẹp và được biên đạo một cách tỉ mỉ, Northman hoàn toàn đo lường được những kỳ vọng sử thi của nó. Truyền thuyết được ghi chép ở Northman cảm thấy hoàn toàn mới mẻ, đồng thời khá quen thuộc. Vua Aurvandill (Ethan Hawke) bị giết bởi anh trai Fjölnir (Claes Bang), người lần lượt lấy người cai trị đã chết ngai vàng và Nữ hoàng Gudrún (Nicole Kidman) cho chính mình. Trước khi chịu thua Fratricide, Aurvandill đã gọi con trai nhỏ Amleth (Oscar Novak) là người kế vị của mình, khiến anh trở thành mục tiêu tiếp theo ngay lập tức cho Blade chú của mình. Khéo léo trốn tránh bị bắt, Amleth đưa một chiếc thuyền gỗ trên vùng nước đục ngầu của Ireland ven biển, để rên rỉ khi hô vang cuộc sống mới của mình, tôi sẽ trả thù con, cha. Tôi sẽ cứu mẹ, mẹ. Tôi sẽ giết bạn, fjölnir. Nhiều năm sau, Amleth (do Alexander Skarsgård của Alexander Skarsgård thủ vai (do Alexander Skarsgård thủ vai) đã tự nhận mình là một chiến binh tàn nhẫn giữa một gia tộc của những kẻ điên cuồng Viking, tặng gấu gấu và cướp bóc một loạt các ngôi làng trong một cơn giận dữ. Người Northman là một người sử thi Viking có thể tiếp cận, quyến rũ với lực lượng bất hòa, song song của sự tàn bạo của con người và kết nối định mệnh. Tuy nhiên, điều đáng nói là bộ phim cảm thấy ít đáng chú ý hơn giống như Eggers trong việc thực hiện so với các tác phẩm trước đó của anh ấy. Nó tự hào có một bản hòa tấu lớn hơn nhiều, dường như phải trả giá ít hơn và ít kinh hoàng hơn trong khí quyển. Cùng một vị trí, nó tránh sự quan tâm của nhà làm phim đối với dân gian New England, mặc dù Northman kết hợp niềm đam mê của Eggers với Lâm nghiệp và thủy triều đại dương. Tuy nhiên, The Northman kết hợp những màn trình diễn ấn tượng nhất của Eggers, đã thành lập phong cách, các cảm ứng lịch sử chính xác, văn hóa dân gian thôi miên với lời hứa mới về việc đánh thức, các chuỗi hành động mở rộng. Kết quả là liên tục giải trí, thường gây sốc và thấm nhuần tập trung học thuật. Sẽ hoàn toàn không có gì đáng ngạc nhiên nếu điều này được khán giả coi là Opus Eggers. Đối với những người đã say mê với những nỗ lực trước đây của đạo diễn, Northman có thể không cảm thấy mặc khải như phù thủy hoặc năng động tại ngọn hải đăng. Tuy nhiên, những gì bộ phim thiếu trong các lý tưởng phim của Eggers, nó không chỉ là bù đắp cho tình trạng không thể chạm tới của nó như là một câu chuyện trả thù Viking có nhịp độ nhanh nhưng khó tính. The Northman hoàn toàn vô song bởi các sử thi hiện có và thậm chí có lẽ bởi những người chắc chắn vẫn còn đến, có khả năng lấy cảm hứng từ tầm nhìn cẩn thận của một nhà làm phim trong thời kỳ đầu của mình. 21. Raya và con rồng cuối cùngNăm: 2021 Giám đốc: Don Hall, Carlos López Estrada Ngôi sao: Kelly Marie Tran, Awkwafina, Izaac Wang, Gemma Chan, Daniel Dae Kim, Benedict Wong, Sandra Oh, Thalia Tran, Lucille Soong Xếp hạng: PG RunTime: 107 phút phút 2020 Rent at Redbox A devastating and profound look at the underside of the American Dream, Chloé Zhao’s Nomadland turns Jessica Bruder’s non-fiction book Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century (and some of its subjects) into a complex folk song about survival, pride and the beauty of getting by on the open road. Focusing on older Americans who’ve somehow either abandoned or been forced from stationary traditional homes into vans and RVs, the film contemplates all that brought them to this point (an ugly, crammed Amazon warehouse looms large over the movie’s otherwise natural landscapes and sweeping vistas) and all that waits for them now that they’re here. Some of Bruder’s sources make appearances in the film, threatening to steal the show from the fictional Fern (Frances McDormand) at every turn—and McDormand turns in one of the best performances of the year. That’s just how honest and compelling Linda May and Swankie are. As the migrating community scatters to the wind and reconvenes wherever the seasonal jobs pop up, Zhao creates a complicated mosaic of barebones freedom. It’s the vast American landscape—a “marvelous backdrop of canyons, open deserts and purple-hued skies” as our critic put it—and that mythological American promise that you can fend for yourself out in it. But you can’t, not really. The bonds between the nomads is a stiff refutation of that individualistic idea, just as Amazon’s financial grip over them is a damnation of the corporation’s dominance. Things are rough—as Fern’s fellow travelers tell campfire tales of suicide, cancer and other woes—but they’re making the best of it. At least they have a little more control out here. The optimism gained from a reclaimed sense of autonomy is lovely to behold (and crushing when it comes into conflict with those angling for a return to the way things were), even if its impermanence is inherent. Nomadland’s majestic portrait puts a country’s ultimate failings, its corrupting poisons and those making the best of their position by blazing their own trail together on full display.—Jacob Oller 23. In the HeightsYear:
2021 Rent at Redbox In 2018, director Jon M. Chu imbued the standard rom-com plot of his Crazy Rich Asians adaptation with classical Hollywood decadence, hanging it all on a framework of well-constructed cultural specificity. It was big, spectacular and embarrassingly novel for an American movie of its kind. Now, in 2021, we’re getting Chu’s version of In the Heights, the musical that put Lin-Manuel Miranda on the map (and won him his first Tony). It’s incredible. The exciting electricity of a non-white blockbuster cast becoming superstars before your eyes, the maximalist style of a modern smash updating its influences, the intertwining of hyper-specific and broad themes—Chu’s strengths and his cast soar, bringing In the Heights as high as it’s ever been. It’s the best Hollywood musical in years. Tracking a few sweltering days in New York’s Washington Heights, the film meshes Do the Right Thing’s hot summer tension with School Daze’s teasing affection for its song-slinging genre. It just so happens that the corner we’re on is the collision point for the intersecting lives and romances of two couples—bodega boss Usnavi (Anthony Ramos) and aspiring designer Vanessa (Melissa Barrera), and dispatcher Benny (Corey Hawkins) and recent Stanford dropout Nina (Leslie Grace)—who serve as the neighborhood’s most vocal examples of those that life’s rigged lottery left putting their patience and faith in a daily scratcher. There’s no real pivotal struggle (especially not between Sharks and Jets, though wouldn’t it be incredible if Steven Spielberg’s West Side Story gave 2021 two great NYC musicals?) aside from the ever-present and myriad anxieties of Nth generation Americans living in a racist country. Yes, those familiar with the themes of Miranda’s Hamilton will find a similar rhythm and thematic flavor here—though with the showtunes’ style slipping into a salsa or bolero as easily as the rap bars dip in and out of Spanish—but with a purity of form and meaning that’s lyrical critiques and observations are even sharper than those mired in the phenomenon’s historical metaphor. In fact, almost all the songs are bangers that keep emotions high—you’ll weep, you’ll cheer, you’ll hum the songs to yourself on the way out of the theater—bolstered by orchestration that, while restrained when limited to its lovers, explodes when the choruses finally incorporate the neighborhood at large. Head-bobbing bops and moving melodies match rhythmic editing and a vibrant, fittingly populous background that’s constant choreography sustains the perpetual, organic flow of a community. In the Heights is great, and its greatness is amplified by the joy that it will inspire in theaters full of people for years to come.—Jacob Oller 24. Everything Everywhere All At OnceRelease Date: March 25, 2022 Rent at Redbox Everything Everywhere All At Once follows Evelyn Wang (Michelle Yeoh), a jaded, middle-aged laundromat owner who may or may not be involved in some minor tax fraud. Her tedious, repetitive life is thrown into total pandemonium, however, when her husband, Waymond (Ke Huy Quan)—or at least a version of him—alerts her to the existence of the multiverse on the elevator ride to an IRS meeting. He then explains that a powerful villain named Jobu Tupaki is in the process of constructing a universe-destroying force that only Evelyn has the ability to stop. And so Evelyn reluctantly plunges headfirst into the multiverse. The facts: There are an infinite number of universes that exist simultaneously, containing just about anything you could possibly imagine. The rules: To acquire different skills, you must picture a universe in which you inhabit that skill, whether it be inhumanly strong pinky fingers or a mastery of knife-fighting. (If you can think it up, it exists.) What follows, then, are roughly 140 frenetic minutes filled to the brim with dense, complex science, colorful setpieces and scenes that feel like they’ve been pulled straight out of dreams far too abstract to describe. As you can probably gather, Everything is not dissimilar to its title—and a lot to wrap your head around. If all this sounds intimidating (which, let’s be honest, how could it not?), rest assured that Everything is grounded by an effortlessly simple emotional throughline. Indeed, the film contains as much emotional maturity as it does cool concepts and ostentatious images (yes, including a giant butt plug and raccoon chef). At its core, it is a story about love and family, carried by the dazzling Yeoh in a subtle and unsentimental performance. Where Everything’s emotional throughline is Evelyn’s relationship with her family, its visual thread manifests as a series of hypnotic, vertiginous action sequences, choreographed like a ballet by Andy and Brian Le. As a bonus, these sequences recall Yeoh’s iconic role in Ang Lee’s wuxia film Crouching Tiger, Hidden Dragon. The directors do not shy away from the use of dizzying flashing lights, or rapidly shifting light sources that disorient the viewer. They also aren’t afraid to implement over-the-top images, like a person’s head exploding into confetti or a butt-naked man flying in slow-motion toward the camera. At the same time, movement between ‘verses feels seamless through Paul Rogers’ meticulous editing, as does the effortless fashion in which different aspect ratios melt into one another. If Everything Everywhere All at Once can be boiled down to one, simple question, it would be reflexive of its own title: Can you really have everything everywhere all at once? Whatever the characters’ answers end up being (I’ll let you discover that on your own), I am certain that the Daniels would say yes, of course you can.—Aurora Amidon 25. Top Gun: MaverickRelease Date: May 27, 2022 Rent at Redbox Not quite four years since Mission: Impossible—Fallout and much of Tom Cruise’s purpose remains the same—if it hasn’t exactly grown in religious fervor. In Top Gun: Maverick, the sequel to Tony Scott’s 1986 original, Cruise is Captain Pete “Maverick” Mitchell, a man trapped in the past, refusing to advance his career as resolutely as he refuses to do much of anything besides continue to prove he’s the greatest pilot in the world—a title the film never forgets to remind the audience that Maverick earned long ago—and mourn his best friend, Goose (Anthony Edwards), who died 35 years ago in an accident for which Maverick still feels responsible. Tom Cruise is also, simply, “Tom Cruise,” the only notable show business scion left to throw his body into mind-numbing danger to prove that it can be done, to show a younger generation that this is what movies can be, what superstars can do. Must do. The more modern action films teem with synthetic bodies bursting apart at the synthetic seams, the more Tom Cruise builds his films as alters upon which to splay his beautiful sacrificed flesh. To that end, Joseph Kosinski is the precisely correct director to steer Cruise’s legacy sequel. As was the case with Kosinski’s Tron: Legacy, Maverick seems to exist to justify its existence, to update an IP that seems to only work in the past. For Top Gun this means translating Scott’s vision of sweat-drenched beach volleyball and unmitigated military spectacle into a soberer IMAX adventure, moving from the halcyon days of Reagan’s America to a world with no more need of a man like Maverick. “The future’s coming, and you’re not in it,” he’s told; every one of his superior officers appears to have no patience for him left. One can’t help but imagine that every new Tom Cruise vehicle is a way for him to reckon with that. Kosinski’s dogfights are pristine, incredible feats of filmmaking, economical and orbiting around recognizable space, but given to occasional, inexplicable shocks of pure chaos. Then quickly cohering again. If Scott’s action was a melange of motion never meant to fully cohere, keeping the American dream just that, then Kosinski is dedicated to allowing the audience a way into the experience. With his regular cinematographer Claudio Miranda, he revels in symmetry to keep the audience tethered. A wide glimpse of a dogfight in total, resembling a beach scene earlier, so suddenly appeared silently in the vast theater and unlike anything I’d ever really seen before, I gasped.—Dom Sinacola 26. The FatherYear: 2021 Rent at Redbox The best line reading Anthony Hopkins gives during his monumental performance in Florian Zeller’s The Father comes in the film’s final scene, which is both a blessing and a king bummer. All anyone should want to do is live in that reading, sit awestruck at how Hopkins puts a name to the one thing that can assuage his character’s anguish and stare grief-stricken in the knowledge that the one thing he needs is the one thing he can’t have. The entire movie is an exercise in heartache, but it’s this final piece of dialogue that punctuates the drama preceding it and finally releases the suffering roiling under its surface. Hopkins’ character, also named Anthony, spends most of The Father fighting for his independence like a wolf cornered by hunters, stubbornly refusing to accept his clear mental deterioration and the need for professional help. His daughter Anne (Olivia Colman) has, as the picture opens, tried and failed several times over to find him a caregiver he’ll take to—and given her announced intention to relocate to Paris, her search has gained in urgency. Anthony isn’t pleased at her news. In fact, as they sit in his well-appointed London flat together, he gives her the business, expressing his opinion of her life plans with his canines bared. He’s not happy. But deep down, in the parts of him that remain self-aware, he’s mostly just afraid. Zeller has adapted The Father from his own award-winning play Le Père, and though he’s left the material of the script untouched, he’s transitioned to his new medium with subtle enhancements: Cinematographer Ben Smithard uses his lens as a screw gun, putting up figurative walls around Zeller’s cast in addition to the literal walls of the set. Visual claustrophobia compliments spatial claustrophobia, trapping the viewer in the flat and, far more importantly, in Anthony’s crumbling psyche. A simple open-concept apartment becomes labyrinthine through his point of view, and that’s before supporting characters begin to wander about its halls and loiter in its doors, in and out of his perception, assuming they were even there to begin with. Similar to how the characters are there to serve Anthony, the supporting cast is there to serve Hopkins. The stage belongs to him. What he does with it is something special, an unmissable performance from an actor with a filmography loaded with them.—Andy Crump 27. NopeRelease
Date: July 22, 2022 Rent at Redbox Among his most amusing directorial quirks, Jordan Peele appreciates the melodrama of a good biblical citation: 2019’s killer doppelgänger vehicle Us tirelessly invokes Jeremiah 11:11 and his latest effort Nope opens with Nahum 3:6: “I will cast abominable filth upon you, make you vile, and make you a spectacle.” It’s that last clause which perfuses Nope, a shrewd, tactile yarn about a brother-sister rancher duo in pursuit of video evidence of a UFO circling their home. Though Peele routinely prods at the Hollywood machine and its spectacles, here he unlades it all: Image-making as brutality, catharsis, posterity, surveillance, homage, indulgence. Six months after a freak accident killed their father, siblings OJ (Daniel Kaluuya) and Emerald Haywood (Keke Palmer) have taken over “Haywood’s Hollywood Horses,” Agua Dulce’s intergenerational horse-wrangling business which specializes in equine showbiz. Working in beautiful contradistinction, Kaluuya plays OJ as stoic and reticent—the true older brother type—and Palmer’s Emerald is prodigiously magnetic and full of puckish chatter. After a series of strange happenings—blackouts, agitated horses, pained noises emanating from the canyons—OJ observes what appears to be a flying saucer gliding through the inky night sky. The next day he spots a cloud that doesn’t move an inch. Suspecting a connection between the saucer and their father’s death, OJ and Emerald enlist the help of gawky, unstable techie Angel (Brandon Perea) and renowned documentarian Antlers Holst (Michael Wincott, excellent rasp) to obtain proof of the UFO, with intent to profit off of the footage. In a sense, the Haywoods want to make a movie. This is Peele rescripting the American film canon, asking what it means to engage with such an exclusionary medium. Shot in IMAX by Dutch cinematographer Hoyte Van Hoytema—a Christopher Nolan regular, responsible for the slick, beautified landscapes of Interstellar, Dunkirk and Tenet—Nope configures a world of sweeping, dusty landscapes and bloodied dwellings. Steven Spielberg is less a point of reference here than he is the emotional roadmap. The Close Encounters of the Third Kind comparisons write themselves, but notionally, Nope is more like Jaws in the sky. Parts neo-Western, family drama, sci-fi and cosmic horror, Nope sees Peele balance more throughlines here than ever before: Aliens, Muybridge revisionism, undigested grief, chimpanzee carnage, a punctilious documentarian chasing the impossible. Nope is indisputably one for Peele—a spectacle in the least derogatory sense; a palimpsest of nostalgic blockbusters and Peele’s deservedly self-assured vision of Hollywood’s future; but mostly, a solution to and an undertaking of modernity.—Saffron Maeve 28. ZolaRelease Date: June 30, 2021 Rent at Redbox A’Ziah “Zola” King’s ultra-viral Tweet thread—AKA The Story AKA The Thotessy AKA Dante’s Infern-ho—about stripping, sex trafficking and the dangers of braving the surreal and nearly mythological land of Florida with a white girl you barely know, has it all. It’s hilarious and disturbing, with characters noble, treacherous and pathetic, damning voyeurism while encouraging our participation and spectatorship. The social media saga is also a treatise on storytelling. It’s been embellished, deleted and reposted after the dark comedy inherent in the compelling truth was honed for an audience—an evolving epic poem, technologically modernized. Naturally, writer/director Janicza Bravo had her work cut out for her when turning its garish and nightmarish weekend into a film. But she responds in kind, adding in her own tweaks and retellings to heighten the fable. Zola maintains its source’s compelling magic, transforming us from rubberneckers to spellbound participants along for the wildest cinematic road trip of the year. In less capable hands, Zola could’ve been a movie of morbid fascination. But Bravo, who adapted her sophomore feature alongside Jeremy O. Harris, embraces the secondhand spontaneity of the vibe while immersing us in the humanity of its participants. We’re rarely looking at them, as can happen during the sleazy Floridian spectacle of Spring Breakers, but going through it with them. Sometimes that means empathizing with Zola (Taylour Paige) and Stefani (Riley Keough) when they’re feeling themselves, taking selfies in the strip club dressing room. Sometimes that means chuckling sadly when Stefani’s boyfriend Derek (Nicholas Braun, whose clueless giant schtick gets a Malibu’s Most Wanted coat of paint) brags to a stranger in an empty liquor store that they’re in town “making shmoney.” But the shmoney ain’t for nothin’ and these chicks ain’t free, as the next days spiral from a simple strip trip to a messy collision between culture vultures, warring sex traffickers and an ever-increasing desire to get the hell home. Zola continues the fairy tale evolution of King’s story, passing the rich text on with the same outrageous spirit—a level of respect most adaptations only aspire to.—Jacob Oller 29. The Last DuelRelease Date: October 15, 2021 Rent at Redbox To tell a story that’s been told before, Ridley Scott’s The Last Duel does something a little familiar, and a little different. His medieval epic based on the book of the same name by Eric Jager—concerning the last judicial duel of France—is conveyed across three chapters. In a narrative device easily comparable to Rashomon, another film which details the conflicting accounts surrounding a rape, the script (co-penned by stars Matt Damon and Ben Affleck alongside Nicole Holofcener), sends us back to the beginning three times. The Last Duel retreads the path already taken, but each occasion with a different guide. In some instances, diplomatic actions become violent ones, off-handed glances become indicative of deceit, relationships drastically change, words take on different meanings, and the world is suddenly observed as if we were seeing it for the very first time. Which is why, when we are introduced to the knight Jean de Carrouges (Damon), we come face-to-face with a grizzled, esteemed war hero. He charges into a brutal battle and valiantly hacks away at the enemy forces. Spears enter chests, viscera is sliced, blood sprays to near-comical effect. The squelching of flesh, cracking of bones and clanging of metal is amplified by the film’s impeccable sound design, battle sequences defined by the kineticism of Dariusz Wolski’s camerawork. In this first chapter, we see the world as Carrouges sees it, and it’s a world where he is a respected fighter and dutiful husband who has been wronged by his former friend, and who expresses compassion and swift wrath against the man who committed the sin of rape against his young wife, Marguerite de Carrouges (Jodie Comer). But as the narrative shifts over, we understand that this is not entirely true. Carrouges is perceived as something of a dimwitted blowhard in the eyes of Jacques le Gris (Adam Driver), former friend to Carrouges on the battlefield and squire to Count Pierre d’Alençon (Affleck). Pierre d’Alençon and his squire are infamous womanizers, engaging in orgies and gossiping about how much they hate Jean de Carrouges (which is often funny just by sheer virtue of Affleck and Damon’s real-life friendship). Of course, Marguerite’s chapter provides the most conclusive account of the story, articulating a life lived only at the whims of men. And in the eyes of Marguerite, Carrouges is nothing but a brute she was forced to love, and le Gris is a lustful freak to whom she is only superficially attracted. The character is handled elegantly by Comer, who carries Marguerite with composure masking the ubiquitous glint of terror in her eyes; the quivering yet entirely routine fear of a person whose personhood has been rendered negligible from birth. It is simple to dub Scott’s film a medieval take on #MeToo, and, well, OK, it is. It’s an easily applicable, overtly modern allegory about the implications of coming forward on charges of sexual assault—how women can be just as complicit in the pervasion of rape culture as men are in perpetrating it, and how the costs of saying anything at all can be so dire that it is not worth saying anything at all. But these are things we already know. Such commentary has been done to death at this point, and frequently in ways which come across as tone-deaf and trite. Instead, Damon, Affleck and Holofcener have penned a skilled illustration of how men see the world differently, and how rape culture is born out of these lived-in blind spots. The decision to tell the 150-minute story through three separate ones not only begets a stunningly compelling narrative that allows for multi-layered characters, but it’s a gimmick that gets to the very heart of what the film is trying to say: When men fundamentally see the world in opposition to women, and when that world is then attuned to their whims, there can be only one truth. Ridley Scott directing a grand, riveting medieval epic that doubles as an analysis of gender dynamics might be unexpected, but The Last Duel manages to effortlessly combine Scott’s action sensibilities with an empathetic thread between the past and present.—Brianna Zigler 30. Không có thời gian để chếtNgày phát hành: ngày 8 tháng 10 năm 2021 Giám đốc: Cary Joji Fukunaga Ngôi sao: Daniel Craig, Lea Seydoux, Rami Malek, Ben Whishaw, Lashana Lynch, Naomie Harris, Ralph Fiennes, Jeffrey Wright, Ana de Armas, Christoph WALTZ : 163 phút October 8, 2021 Thuê tại Redbox Nó nói rằng bài hát thiên nga của Craig, không có thời gian để chết là mối quan hệ dài nhất từ trước đến nay, ở 163 phút có kích thước siêu anh hùng, có lẽ đã giành được truyền cảm hứng cho việc tự đánh dấu công khai như lượng tử thon, có ý nghĩa hơn. Không có thời gian để chết không phải là nạc cũng không có ý nghĩa; Đó là một nỗ lực làm việc chăm chỉ để điều hòa các nghi thức trái phiếu với trọng lượng cảm xúc hoàn thiện hàng loạt mà những bộ phim này đã tích lũy (với thành công hỗn hợp) từ năm 2006. Rõ ràng, quá trình hòa giải cần có thời gian: đạo diễn Cary Joji Fukunaga (hoặc, nhiều khả năng, Eon Productions, những người chăm sóc chặt chẽ của nhượng quyền Bond) không sẵn sàng bỏ một trong hai khía cạnh của opus này đến nỗi nó thường cảm thấy như hai bộ phim trong một, cả hai đều có chiều dài. Phát âm là cách tiếp cận hai bài hát của bộ phim mà nhiều yếu tố câu chuyện của nó cảm thấy tăng gấp đôi: chuỗi mở đầu là một chút lạc hậu đáng sợ, kinh dị cho Madeleine Swann của Lea Seydoux (được giới thiệu lần đầu tiên trong bóng ma nửa mặt) và một mối quan hệ lớn Trình tự hành động chen lấn anh ta ra khỏi nghỉ hưu. Nó cảm thấy như 30 phút trước khi các tựa game mở đầu cuối cùng. Sau đó, sau những khoản tín dụng đó, nó năm năm sau đó, và bộ phim cho chúng ta một lần nghỉ hưu trái phiếu khác, lần này là ở Jamaica chứ không phải Ý. Nếu có vẻ như các nhân vật, các địa điểm và cốt truyện tiếp tục xuất hiện, và nó không thể không đề cập đến các trái phiếu craig khác đã đi trước nó, thì đó là rất nhiều kinh nghiệm khi xem không có thời gian để chết và không phải lúc nào cũng khó chịu. Nếu bạn có thể chấp nhận một câu chuyện về trái phiếu, với các cuộc gọi lại và các chủ đề âm mưu và kết nối, thì, tối thiểu, không phải là một nhượng quyền mãi mãi so với các thần thoại siêu anh hùng tự trêu chọc vô tận (mỉa mai, cho rằng đây là lần nhượng quyền mãi mãi) . Bộ phim này thực sự muốn buộc thời đại Craig kéo dài nhất trong nhiều năm, mặc dù không phải là tổng số đầu ra. Mặc dù nghề được trưng bày, không có thời gian để chết thiếu các chuỗi hành động trái phiếu cấp độ pantheon. Cuba là một niềm vui tuyệt vời, Fukunaga tổ chức một cuộc chiến cầu thang một bộ phim muộn vững chắc và trận mở màn Big/Delayer mang đến. Nhưng bộ phim quan tâm nhiều hơn đến những thứ của con người, một quyết định mà Lừa đi đến lượt trung tâm, đau khổ và chưa từng có. . Chỉ vì thật khó để phân tích những gì, nếu có bất cứ điều gì, bộ phim thực sự đang cố gắng nói về một James Bond, người đã dành phần lớn năm bộ phim bắt đầu và kết thúc, đôi khi trên một vòng lặp. Tuy nhiên, người hâm mộ có thể hoan nghênh cơ hội xem loạt cuộc đấu tranh chống lại các quy ước của nó: ví dụ như những màn trình diễn này, hay tất cả những người tốt chỉ là những người tốt đẹp? Bộ phim này có thị giác xa hoa hay nó chỉ được quay trên phim? James Bond đã được đào sâu, hay chỉ bị phong hóa? Một cách gọn gàng như không có thời gian để chết kết thúc, sự chắc chắn của nó cuối cùng bị giới hạn trong dòng cuối cùng của các khoản tín dụng: James Bond sẽ trở lại. Làm thế nào là một câu hỏi khác hoàn toàn. Những bộ phim hàng đầu để thuê ngay bây giờ là gì?30 bộ phim phổ biến nhất ngay bây giờ.. #1. Black Panther: Wakanda mãi mãi (2022) 84% 85% #1. .... #2. Menu (2022) 89% 76% #2. .... #3. The Wonder (2022) 87% 72% #3. .... #4. Stutz (2022) 100% 97% #4. .... #5. Không hài lòng (2022) 38% 55% #5. .... #6. Tinh thần (2022) 68% 82% #6. .... #7. Black Adam (2022) 39% 89% #7. .... #số 8. Fabelmans (2022) 93% 78% #8 .. 10 bản phát hành DVD hàng đầu là gì?Top Gun: Maverick. 8.214. 14 Cung cấp từ $ 19,59. .... 1883: Một câu chuyện gốc của Yellowstone. 2.700. 28 Ưu đãi từ $ 18,12. .... Yellowstone: Bốn mùa đầu tiên [DVD] 2.212. 23 Ưu đãi từ $ 54,99. .... Yellowstone: Phần bốn [DVD] 11.283. 36 Ưu đãi từ $ 9,99. .... Nhà một mình 1 + 2. 12.399. .... Tay súng hàng đầu. 5.106. .... Elvis. 6.154. .... Sonic the Hedgehog 2 [DVD] 22.100 .. DVD phổ biến nhất là gì?Người bán hàng đầu Blu-ray & DVD.. Top Gun: Maverick (2022) Paramount. Ngày phát hành. .... Thor: Tình yêu và Thunder (2022) Disney. .... Tiến sĩ Seuss 'The Grinch (2018) .... Doctor Strange trong Multiverse of Madness (2022) Disney. .... Bullet Train (2022) Sony..... Không (2022) Universal..... Top Gun (1986) Paramount..... Jurassic World: Dominion (2022) Universal .. Những bộ phim nào sẽ đến với DVD vào tháng 8 năm 2022?Thiếu tá ngày 2 tháng 8 năm 2022 phát hành.. Bò (Blu-ray, DVD). Flatliners: Mũi tên Video Phiên bản đặc biệt (4K Ultra HD, Blu-ray). Một lực lượng của một: Kino Lorber Studio Classics (Blu-ray). Những người tốt mặc màu đen: Kino Lorber Studio Classics (Blu-ray). Harry Wild: Sê -ri 1 (DVD). Nadia: The Secret of Blue Water: The Complete Series (Blu-ray). |
